martes, 29 de octubre de 2013

Hilma af Klint, más de 20 años en una caja

Hilma af Klint era hasta hace muy poco una gran desconocida, ahora las primeras impresiones de su obra causan sensación y polémica.

Hilma af Klint nació en Estocolmo en 1862, estudió en la Escuela Técnica de Estocolmo, continuando su formación en la Real Academia de Bellas Artes.

Trabajaba en un estudio en el centro de la ciudad, aunque no comenzó su producción artística con la abstracción, pronto experimentó con el dibujo y la escritura automática.


Sus primeras obras son naturalistas, paisajes academicamente perfectos y cabe destacar sus dibujos de botánica, en los que no idealiza el aspecto del sujeto sino que lo representa con sus defectos.


Aunque expuso su obra naturalista y sus primeras producciones en galerías, quizás por su condición femenina no se codeaba con los círculos de artistas masculinos de la época.


En 1880 fallece su hermana, esto marca un hito en su vida, y comienza a interesarse por el mundo espiritual.

En 1896 se comienza a reunir con cuatro mujeres, Anna Cassel entre ellas, con las que forma el grupo "De Fem", las cinco.
Con ellas se reune todos los viernes durante 10 años, y toma anotaciones de sus sesiones con todo detalle.

Unas anotaciones, junto a todas sus explicaciones de simbología etc, que suman mas de 25000 hojas.


En el momento el espiritismo no estaba mal visto, sino que podría ser considerado parte de la ciencia.



Con el grupo de las cinco no era la primera vez que se ponía en contacto con el "mundo espiritual", pero este hecho marca un punto de referencia en su obra. Junto con su fascinación 
por los descubrimientos científicos como los rayos x, que te permiten observar cosas que no puedes ver a simple vista.

Algunas de las obras que se realizan de forma automática con el grupo de las cinco está firmada por el grupo, por lo que nos podemos plantear la duda de la autoría.

Llegados a este punto hay que preguntarse: ¿Fue Kandinsky realmente el precursor de la abstracción?

En 1906 Hilma ya realiza obras como las de su serie Caos Primigenio.
El arte abstracto comienza oficialmente entre 1910 y 1913, entonces: ¿Habría que considerar a Hilma af Klint la pionera de la abstracción alejándose de toda mímesis o verosimilitud?

En 1906 Hilma recibe el encargo espiritual de realizar una serie de cuadros, en la que trabajará 9 años, y a los que denominará Cuadros para el templo. El término templo, indicaría metafóricamente la evolución humana, aunque 
para mi podría significar también sus procesos de conexión con lo espiritual.


Son 193 obras divididas en series y subdivisiones. Realizadas sobre papel y posteriormente montadas sobre lienzo.

Hay que mencionar que aunque en sus encuentros sensibles practicaba el dibujo automático, esta serie está creada bajo estrictas indicaciones espirituales pero de forma consciente. Entre ellos encontramos una serie que nos muestra las edades del individuo, en la que vemos una decreción de la intensidad del color y un cambio cromático conforme avanza la etapa vital.
Fotografía de Egon Abresparr (Moderna Museet de Estocolmo)

En cuanto a la simbología presente en las obras de Hilma, utiliza la unión de los colores simbólicos.
El amarillo, que representa la identidad masculina se aproxima y enfrenta al azul, lo femenino. Entre los dos tonos podemos encontrar los tonos verdes, que es la unión entre ambos.

Incluye en sus obras, en muchas ocasiones, letras
tales como la 'W' que representa lo espiritual y la 'u' 
que nos indica lo material.

Otra de sus series más controvertidas es Evolutionen en la que se trata el reflejo de los opuestos, como la materia y lo espiritual.


como también trata en series como El cisne (1915) en la que se opone el blanco con el negro y el negro con el blanco, en una especie de danza. Las caras en amarillo y azul (lo masculino con lo femenino) y la unión de los picos en rojo y rosa (lo humano con lo celestial).

Las religiones
En 1920 realiza una serie en la que estudia las religiones mendiante opuestos como el bien y el mal.


La espiga
En 1922 se ve influnciada por la antroposofía y por Rudolf Steiner, que defendía que la antroposofía estudia la humanidad en relación a lo espiritual. Hilma abandona la pintura geométrica y comienza a representar las dimensiones espirituales de la naturaleza mediante la acuarela.

Con este hecho, a los sesenta años, da un vuelco a su 
producción, destacando que nunca dejó de revisar sus anotaciones.

La artista muere en 1944, sus herederos encuentran un legado de más de 1000 obras nunca vistas y varios cuadernos ocultos.

Estipula por testamento que sus obras no deben de ser expuestas al menos hasta 20 años después de su muerte, segura de que su producción no se entendería en sus contemporáneos, y asegurando que es una indicación del mundo espiritual.


Altarbild, serie Cuadros para el Templo.


No es hasta 1986 cuando sus obras nunca vistas se exponen en Los Ángeles, habiendo pasado más de cuarenta años de su muerte.

En la actualidad las obras de la artista siguen perteneciendo a sus herederos y a su fundación y no están en venta, por lo que hace más especial, si cabe, la visualización de su producción pictórica.


La mejor forma de conocer la obra de esta polémica artista, incipiente de algún modo, es 
sumergirte en su mundo, pasear entre sus obras e imaginar sus sesiones espirituales para comprender los motivos que la movían a realizarlas.



Hilma af Klint dijo:"Yo no creé estas obras, soy un medio, no son mi propio trabajo" (Iris Müller-Westerman, comisaria del Moderna Museet de Estocolmo).

Iris Müller-Westerman: "Creó sus obras para el futuro, y el futuro es ahora".

lunes, 28 de octubre de 2013

La Mundial sigue en pie


La semana pasada volvimos a colocar carteles en La Mundial, casi todos siguen en sus ventanas a día de hoy.

Sigue firmando, nosotros no nos hemos rendido, ¿Os habéis rendido?.

 
 
No permitamos que los políticos nos arrebaten una vez más el patrimonio.
¿Saben nuestros políticos que es una denominación BIC?
¿Saben que La Mundial está integrada en el BIC "conjunto histórico" al que pertenece el centro de Málaga?

Seguiremos con La Mundial hasta el final, y si la derriban estaremos siempre con todas las "mundiales" que vendrán.


lunes, 14 de octubre de 2013

Sorolla, el color del mar

 
En 1909 Joaquín Sorolla, aconsejado por Aureliano de Beruete, compró una parcela en Madrid.

El arquitecto y amigo del pintor Enrique María Repullés, le diseñó la casa, que construyó en dicha parcela.


Sorolla diseñó el jardín, cual patio andaluz, con fuentes, estatuas y azulejos de estilo valenciano con dibujo azul sobre fondo blanco.


En 1911 la casa se terminó, y tras la muerte del artista su esposa hizo testamento en el que la donó al estado para que pudiera convertirse en el museo del artista.
A la muerte de la Clotilde su patrimonio pasó a manos del estado, y en 1931 se aceptó el proyecto, quedando finalizado en 1932.
 
El primer director del museo fue Joaquín Sorolla García, hijo del matrimonio Sorolla,  por expreso deseo de la fundadora.
Al morir este, sus bienes también formaron parte del museo, aceptando el testamento en 1951.
 
El museo concentra la mayoría de los objetos que el artista reunió en vida, esculturas, pinturas, dibujos etc.
 
 
La exposición temporal que tiene el museo hasta el 20 de octubre, está titulada Sorolla. El color del mar. Está dividida en tres secciones: El espectáculo incesante, las horas del azul y De la naturaleza a la pintura.

En ella se recogen más de 60 obras pictóricas del artista, que pertenecen al museo y algunas de ellas no habían sido nunca expuestas.










"Hay en las nubes de esta tarde violetas y azules muy hermosos [...] un azul, sobre todo, más floral que aéreo, el azul de la cineraria, que choca mucho visto en el cielo. Y también esa nubecilla rosa tiene un tinte de flor, de clavel o de hidrangea". Marcel Proust.
 
 
 
El tema de la exposición, como no, es el que da fama a Sorolla, el mar, ese medio inquieto que tanto le gustaba.
 
 

Le atraía la persecución de la luz y el color en el mar, los efectos sobre él.
 
Además junto a las obras hay paneles explicativos con pigmentos, evoluciones de color y materiales.
 
"El cuerpo moreno del nadador tomaba, al descender, las transparencias de la porcelana." Vicente Blasco Ibáñez. (1918)
 
A sorolla le gustaba pintar "al sol" como él llamaba a pintar al aire libre.

Por eso cuando escribe a su mujer en sus viajes le dice cosas como: "Aprovecho los últimos fulgores de la luz y te escribo esta mirando al puerto, que está precioso; Empiezan a brillar las luces de los vapores y envuelve todo el puerto un color rojizo violeta muy fino". (Sorolla a Clotilde en 1907)


          "Deseo salga el sol mañana y entre en calor artístico..." (1982)
 
"...mañana voy a tener un día espléndido de sol y espero aprovecharlo muy bien"
(1907)

Joaquín Sorolla, luminismo total


Autorretrato del artista
Joaquín Sorolla y Bastida nació en Valencia en 1863. A los dos años de edad queda huérfano de padre y madre durante la epidemia de cólera de 1865, y su hermana y él fueron adoptados por su tía y el marido de esta.
Su tía inducía al pequeño a conocer el oficio familiar, la cerrajería, pero pronto advirtieron que el pequeño Joaquín no tenía otra vocación que la pintura.

El pequeño pintor nació y creció en el barrio valenciano del Cabanyal, lo que influiría en su producción desde su pintura mas temprana.

En 1876 comienza su formación en la escuela de artesanos de Valencia, bajo la supervisión del escultor Cayetano Capuz. Dos años más tarde ingresaba en la Academia provincial de Bellas Artes de San Carlos, donde sus progresos fueron notables.

Aunque sus tíos procuraban darle la educación artística necesaria esta era muy cara para su nivel adquisitivo por lo que el joven debía pintar para vender y costearse sus estudios.
Cual sería su sorpresa, que al vender un cuadro de pequeño formato a un anticuario valenciano, cobrado mitad en metálico, mitad en trastos, el fotógrafo Antonio García, precursor de la fotografía como disciplina artística, se interesó por él.
El fotógrafo compró el cuadro por unos cuantos duros e hizo todo lo posible por conocer al joven Sorolla, al enterarse de la situación económica de este y admirando su potencial lo tomó bajo su protección y se convirtió en un padre para él.



Defensa del Parque de Artillería de Monteleón
En 1882 realiza su primer gran viaje, Madrid, donde se dedica a copiar obras de Ribera y Velázquez en el Museo del Prado, Admiraba desde niño la producción de Velázquez que tanto había estudiado, y las soluciones lógicas que aplica en sus obras. De Ribera destaca las composiciones que producen una gran sensación de fuerza en la obra.
En 1884 consigue la segunda medalla de la Exposición Nacional de Madrid gracias a la obra Defensa del Parque de Artillería de Monteleón.
 
El crit del Palleter
En 1884 la diputación de Valencia convoca un concurso para ser pensionado en Roma y perfeccionar los estudios, la temática obligatoria de la obra debía ser La Guerra de la Independencia (1808).
Se alza con la victoria con el cuadro El crit del palleter, Palleter es el nombre con el que se conoce a un personaje popular que según cuentan sería el primero en alzar su grito de revuelta contra los franceses, cuya profesión era la venta de paja.
 
Con este cuadro cargado de fuerza y de paleta brillante causa sensación, por lo que estuvo pensionado un año en Italia.
En su estancia en Roma tiene cierto acercamiento al género orientalista, siguiendo a pintores como Mariano Fortuny. En Italia perfecciona la línea, el color y la pincelada suelta.
 
En Roma continuó su formación hasta la primavera de 1885, cuando realiza un largo viaje a París, donde no consigue sacar grandes conclusiones por lo que vuelve decepcionado a Roma.
 
En 1888 contrajo matrimonio con Clotilde García en uno de sus viajes a Valencia, aunque vivirían un año más en Italia, en esta ocasión en Asís.
 
Finalmente en 1889 se trasladó a Madrid, donde en apenas cinco años había adquirido cierta fama y prestigio.
 
Desnudo de mujer 1902. Gran influencia de Velázquez
En 1894 en un nuevo viaje a París asentó las bases de su estilo, que será denominado desde ese momento como luminismo, volviendo a pintar al aire libre y dominando maestralmente la luz.
 
En 1904 regresa a su barrio, El Cabanyal, y el mar, los pescadores y los niños dominan su producción por completo.

En 1911 se terminó la construcción de su casa en Madrid, que fue donada por su esposa y se ha convertido en el actual Museo Sorolla.
 
En 1920 acusado de una hemiplejia quedó paralizado del lado izquierdo y la familia se trasladó a la casa de su hija en Cercedilla (Madrid), donde finalmente falleció en 1923.
 
Fue enterrado con honores de capitán en un féretro de mármol con un sencillo escudo de su ciudad y en la base una corona de laurel con su nombre en el centro.

viernes, 11 de octubre de 2013

Conferencia Arquitectura y Arte

He asistido a la conferencia "Arquitectura y Arte" dentro del programa de la semana de la arquitectura.
Una mesa integrada por Fernando Francés, director del Centro de Arte Contemporáneo, Rosario Camacho, catedrática de Historia del Arte en la Universidad de Málaga y profesora de la misma hasta hace un año. Completaban la mesa los arquitectos Ana Rojo y Rafael de Lacour.

Hago esta pequeña entrada en el blog para destacar algunos conceptos que me han impresionado bastante.
 
Rosario Camacho ha comenzado su intervención hablando de la Málaga del siglo XVIII, refiriéndose a ella como "colorista" por los frescos que adornaban sus paredes.
Me ha llamado poderosamente la atención como se ha referido a las pinturas murales que adornaban nuestro centro histórico y que ya no se conservan.
 
Se refiere en primer lugar a la llamada "casa del administrador" por sus maravillosas pinturas murales, terminando la frase con un lamento por no su derribo. La casa del administrador fue expropiada, y sus pinturas "recuperadas y guardadas".

Nos ha mostrado también imágenes de una casa en Pasillo de Atocha, calle que vamos a perder con la construcción del hotel proyectado por Moneo, en la que vemos un magnífico fresco con un motivo infantil.

El último fresco que nos muestra ha ido acompañado con una frase que refleja su sentir, y el de todos los malagueños que pedimos la conservación de nuestro patrimonio.
 
"Nos quedaron esos ojos que parecían culparnos por lo que habíamos hecho con las pinturas"

Tras esta nos ha enseñado el Camaleón en calle Casas de Campos de Roa, no una imagen del camaleón entero, como obra, solo su ojo, y ha añadido: "Aunque su ojo parece poco amistoso espero que su ojo no sea acusador en dos siglos".
Para mí esta frase de Rosario Camacho dice mucho de lo que hemos dejado que hagan con el patrimonio.

La mesa ha tratado la supremacía del arte sobre la arquitectura o viceversa, llegando a la conclusión, propia por supuesto, la arquitectura y el arte van de la mano, aunque en la prehistoria ya se hiciera "arte" y no se necesitara la arquitectura, ideas que han rebatido los arquitectos de la mesa.

Rafael de Lacour ha añadido "la arquitectura es necesaria, es útil, el arte es inútil".
Fernando Francés ha argumentado magistralmente sus ideas, y ha dicho: "No existía el territorio propio de la arquitectura".

Me gustaría terminar con la frase de Rosario Camacho: "La arquitectura sí es arte".

lunes, 7 de octubre de 2013

Seguimos luchando por La Mundial

Como sabéis el blog ArtEstudiantes está muy comprometido en la lucha para salvar La Mundial.  Esta semana se aprobó la demolición del edificio en contra de lo que urbanismo prometió. Inmediatamente Braser tomó el edificio, se escucharon martillazos, pero hasta ahora no tenemos novedades.
Nuestra lucha no cesa, el proyecto de Moneo es inaccesible, no encaja en el lugar ni por dimensiones ni por la capacidad económica de la ciudad.
 
Nadie va a financiar este hotel, por lo que la demolición será en vano, para crear un solar vacío, de los muchos que hay en el centro de Málaga.

Como Malagueña me da vergüenza y pena la destrucción constante de nuestro patrimonio.











En el video os mostramos varios carteles que hemos puesto esta semana en las ventanas de La Mundial.
Sigamos firmando para salvar La Mundial (Link)