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martes, 9 de febrero de 2016

"Madonna, el nacimiento de un mito"


Una Madonna de tan solo 23 años, en las fotografías de George DuBose, con una imagen completamente alternativa. Fotografías en las que se puede ver una artista cantando y en las que no se representa en solitario sino con el grupo con el que comenzó llamado The Breakfast Club.  

Encontramos en orden cronológico las fotografías: en la pared izquierda George DuBose y Peter Cunningham y, en la pared derecha las fotografías de Deborah Feingold. 

La exposición me transmitió una sensación difícilmente explicable: son instantáneas de Madonna, cuando todavía no era Madonna, el mito actual, pero en las imágenes podemos encontrar su esencia, la esencia de esa artista rompedora y mediática.
Las fotografías, todas de los años 80, nos muestran una artista provocadora y provocativa a la que le gusta enseñar su lado sensual y provocador. 

Las imágenes de Peter Cunningham son diversas, encontramos unos retratos cercanos de la cantante en el que ella misma nos introduce en su fotografía con una mirada intensa. 

Hay una selección de obras en las que la artista se deja fotografiar en la calle con los brazos en cruz o, como en la imagen, en una zona que parece alternativa o suburbana con una pared  repleta de graffitis. 

Las que más corresponden, según mi visión de la artista, con la Madonna que conocemos actualmente, son las fotografías de Deborah Feingold. En estas una joven Madonna, juguetea con un chupa chups, sonríe a la cámara a la que seduce sacando la lengua e interactuando con ella. 

Nos auxilia un panel en el que encontramos la cronología de la artista, personal y profesional, para contextualizarnos la exposición. 

La exposición, además del audiovisual que ya he mencionado, tiene un elemento ocioso bastante reseñable, un karaoke tras el telón con la imagen de Madonna. En él se pueden cantar canciones de la artista, especialmente las de su temprana carrera. 
Este elemento tiene diversos inconvenientes entre los que se encuentra el acústico. Es difícil disfrutar de una exposición cuando tienes como acompañamiento sonoro a un visitante, el cual seguramente no cante como Madonna, cantando a unos decibelios bastante altos. 

Ciertamente, el montaje de la sala de Madonna me decepcionó bastante, esperaba que una exposición sobre una artista tan polémica y polifacética como Madonna estuviera montada de una forma más rompedora. 
El color blanco de las pareces con la alternancia de la oscuridad de algunas fotos y en telón en escala de grises, no me convenció. 

Esperaba para esta exposición algo más impactante, como el histórico montaje de “Fabio: Autor [de] Retratos” o la actual expuesta “Anticorps” con imágenes de  Antoine D’Agata. 

Un montaje demasiado serio, en mi opinión, que no realza la grandiosidad de estas imágenes que tanto aportan a la concepción que tenemos de la vida temprana y juvenil de Madonna. 


Anecdóticamente cabe destacar que el artista teatral Ángel Calvente, el cual realiza cursos también en La Térmica, ha realizado una marioneta de goma espuma representando a la artista y que fue el centro de atención durante la inauguración. 

lunes, 11 de enero de 2016

Exposición: Stepping Through Time. Footwear in Ancient Egypt en el Museo Egipcio de El Cairo

Fotografía de ©Teresa Bedman
Hola a todos!!
Dejando atras los amaneceres de la tierra tebana...
De vuelta a España tras la segunda campaña de excavaciones con el Instituto de Estudios del Antiguo Egipto en Luxor en el Proyecto Visir Amen-Hotep Huy. Una campaña muy provechosa dirigida por Francisco Martín y Teresa Bedman, culminando con el hallazgo de una sepultura intacta con un magnífico sarcófago de la dinastía XXII de un Sacerdote del Dios Amón llamado Anj-ef-Jonsu. 
©Marina Esteve

Una experiencia magnífica por segundo año. Quiero agradeceros todos los mensajes que he recibido, las felicitaciones y el interés de muchos de vosotros por nuestro trabajo, gracias :)


De regreso estuvimos unos días en El Cairo y pudimos visitar monumentos y Museos.

Hoy os traigo las imágenes de la exposición Stepping Through Time. Footwear in Ancient Egypt situada en una de las salas temporales del Museo Egipcio de El Cairo. 

La muestra, con unas cuarenta piezas, ha sido comisariada por el holandés André Veldmeijer y realiza un recorrido por el calzado de distintas épocas y sobretodo, de diferentes clases sociales. 

Os dejo todas las fotos en un álbum en mi álbum en mi página de Facebook, espero que os guste. 


©Marina Esteve

©Marina Esteve

©Marina Esteve

Artículo de Francisco Carrión sobre la exposición

jueves, 10 de abril de 2014

Courbet, Van Gogh, Monet, Léger


Qué mejor forma de abrir una exposición que con una obra de Vincent Van Gogh, Molino de agua en Gennep realizada en 1884, tan solo seis años antes de su fallecimiento.

No es de sus obras más célebres, pero como todas esas que nos vienen al pensamiento, tiene profundas empastaciones, y en este caso el colorido es apagado y brillante.


Esta exposición situada en el Museo Carmen Thyssen, en Málaga, tiene cinco secciones, en las que se exploran las variaciones Del paisaje Naturalista a las Vanguardias en la Colección Carmen Thyssen. 

Naturalismo es la primera sección de la exposición. En ella, a parte de la obra que hemos visto como apertura, podemos destacar una magnífica y expresiva obra de Courbet, La playa de Saint-Aubin-sur-Mer (1867).

Tendré que reconocer mi absoluta debilidad por la sección que acontece a continuación, Del Romanticismo al Simbolismo con un montaje exquisito y una obra magnética que encabeza y encuadra la sala.

La obra de gran formato Puerto de Barcelona de Eliseu Meifrèn i Roig. Contiene unos detalles lumínicos destacables como estos que os traigo: la farola, el sol y la ciudad como escenario vista desde el puerto de Barcelona.



Cómo no, también hay que destacar a un grande del paisajismo romántico alemán, Caspar David Friedrich. Barco de pesca entre dos rocas en una playa del Báltico.

En la tercera sección La mirada impresionista, encontramos una obra que ha creado gran expectación entre los visitantes por sus grandes calidades táctiles.

Canny Glasgow de John Atkinson Grimshaw una obra de formato comedido pero gran transmisión sensorial. El suelo da una perspectiva magnífica rota a la derecha del espectador por la cristalera y la iluminación que ella realiza en la obra. En ella podemos encontrar detalles como un farolillo iluminado en color rojo, que parece contener una llama real o unas estrellas que son escasamente un punto de óleo.













Maximilien Luce Fábrica a la luz de la luna (1898). En ella Luce nos muestra un paisaje casi desolado, una fábrica desprovista de cualquier detalle personal o humano. En ella destaca el tratamiento de la luz, en este caso de la luna y un magnífico tratamiento del color con unos detalles puntillistas.

Nuevos Clasicismos, la cuarta sección de la muestra, en la que reseño la obra de la artista Olga Sacharoff Paisaje Idílico, sin datar. El detalle que muestro es el río con la barca y algo del paisaje, cabe reseñar la técnica con la que realiza el agua.

Esta obra es la única de una artista en la exposición, Olga, nacida en Georgia se trasladó en 1915 junto con su pareja Otto Lloyd a Mallorca para posteriormente asentarse en Barcelona. Aunque ni su relación con Otto ni sus estancias en España fueron continuas, la artista naif falleció en Barcelona en 1967 después de haber recibido la medalla de la ciudad.

Vanguardias la sección con la que culmina la exposición.
En ella, y tras un tabique móvil y exento, se encuentra esta magnífica obra de Josep Amat Pages. Las Ramblas (1950) se desdibujan en la obra de forma decimonónica.

Son destacables las obras catalanas de la exposición, en este caso Josep Amat, el cual ha sido encuadrado entre el postimpresionismo y el fauvismo, tiene un trazo muy expresivo.
La vivacidad del bullicio barcelonés está enmarcado por el trazo agil y la verticalidad de los edificios y los árboles desprovistos de follaje. 


Terminando este post he recibido la noticia de la Muerte de Guillermo Miranda, (@murosyredes) la cual me ha causado una gran consternación. Guillermo era todo un ejemplo a seguir en cuanto a su trayectoria profesional y en especial como blogger #RepensarElMuseo. Desde mi blog mi más sentido pésame a su familia y amigos, es una gran pérdida.

lunes, 20 de enero de 2014

Marina Vargas, la muerte colorista

Las manos, un elemento de comunicación, en ocasiones nos ayudan a enfatizar nuestro mensaje oral, y en otras ocasiones es el mensaje en sí, como es el caso de la Lengua de signos.

Es precisamente este componente la clave de la primera exposición del año de la Galería Javier López (Madrid), "Marina Vargas: La muerte por las manos".


La exposición, la cual tuve la fortuna de visitar en Madrid la semana pasada, en un enclave estupendo, está dividida en dos salas. La sala principal de la galería, en la que podemos admirar las obras con una gran espaciosidad, lo que nos amplía el campo de visión sin saturarnos.


En esta primera sala podemos observar a mano izquierda unas manos, unas manos no solo artísticas, sino que nos transmiten un significado.
En este momento se une el sentido artístico de una pieza con su significado propio, casualmente, hace unos meses acabé un curso de Lengua de Signos.


Imagen de la web de la Galería




Me llamó poderosamente la atención la obra y enseguida me puse a obtener su significado... "Y la palabra se hizo carne"

En el lado derecho encontramos unas obras de técnica mixta sobre una alfombra bereber de última producción durante su estancia becada en el Centre d'Art Contemporain d'Essaouira en Ifitry, Marruecos.

En todas las obras de Marina Vargas podemos apreciar el poder del colorido y el dibujo con el predominio de la línea. La decoración a base de líneas repetitivas crea en el cuerpo de Cristo una textura casi táctil. 

Nuestra vista se dirige, inevitablemente, al final de la sala, en el que encontramos dos piedades invertidas, enfrentadas y cohesionadas, la piedad 'externa', blanca, sujeta el corazón de la piedad 'interna', a la que le falta el corazón.

En el momento de mi visita, como podéis observar en la foto, no se encontraba la piedad invertida blanca, por haber sido trasladada a México. Por lo que no se muestra esa 'conversación' entre ambas. 




Piedad invertida o La madre muerta de 2013, es una obra de resina de poliéster policromada, que representa la escena de la piedad, muy parecida a la triangulación de la piedad vaticana de Michelangelo, con una salvedad, en esta la muerta es la virgen que está sostenida por Jesús.
La escena es sobrecogedora, una virgen sin corazón, aunque si nos fijamos en su rostro, comparado por ejemplo con la piedad vaticana, ya no parece una joven dolorosa sino más bien una santa en éxtasís.

Su expresión es cercana al éxtasis de Santa Teresa de Bernini, incluso apoyada con la caída de su mano. ¿Está abatida o extasiada? Posiblemente sea solo una expresión de dolor.

En cuanto a su cuerpo no va tan recatada como solemos verla representada, el cuello de su vestido deja entrever un escote y sus piernas no son solo insinuadas como en otras escenas marianas, sino insinuantes.

La expresión de cristo es neutra, con la boca entreabierta, refleja más su impasividad ante la situación que la pena esperada. Realmente es una obra muy interesante y grata de admirar.

En la sala inferior de la galería encontramos una pequeña sala, muy acogedora, en la que, además de encontrar mucha información sobre la artista, catálogos, artículos, etc., podemos observar la obra Presagio, pero ¿presagio de qué? Pues quizás de esas dos armas que acorralan al colorido animal.


En el montaje no encontramos cartelas de ningún tipo, por lo que nos podemos apoyar en el folleto de sala para conocer el proyecto expositivo.

En él podemos conocer el mensaje alrededor del cual nace la exposición. Entre comisario y artista escogieron un fragmento del poema "Me sobra el corazón" de Miguel Hernández.


"No puedo con mi estrella.
Y busco la muerte por las manos 
mirando con cariño las navajas, 
y recuerdo aquel hacha compañera, 
y pienso en los más altos campanarios 
para un salto mortal serenamente"

Puedes leerlo completo: "Me sobra el corazón" (Miguel Hernández)

Imagen de la web de la Galería
La artista granadina ha expuesto tanto a nivel nacional como internacional en ciudades como Sevilla, Barcelona, Milán, Berlín, Londres o Bruselas entre otras.

Aunque es la primera vez que expone en la Galería Javier López, hecho que ha nacido de la reciente colaboración entre Marina y Fernando Francés, tal y como nos indicaron muy amablemente en la galería.
Lo que conlleva que podremos disfrutar de la obra de esta estupenda artista también en Málaga.



Una artista y un estilo con muchos detalles por descubrir, podéis disfrutar de la exposición en la G. Javier López hasta el 12 de febrero.

Web de Marina Vargas, para conocer más de su producción artística

martes, 29 de octubre de 2013

Hilma af Klint, más de 20 años en una caja

Hilma af Klint era hasta hace muy poco una gran desconocida, ahora las primeras impresiones de su obra causan sensación y polémica.

Hilma af Klint nació en Estocolmo en 1862, estudió en la Escuela Técnica de Estocolmo, continuando su formación en la Real Academia de Bellas Artes.

Trabajaba en un estudio en el centro de la ciudad, aunque no comenzó su producción artística con la abstracción, pronto experimentó con el dibujo y la escritura automática.


Sus primeras obras son naturalistas, paisajes academicamente perfectos y cabe destacar sus dibujos de botánica, en los que no idealiza el aspecto del sujeto sino que lo representa con sus defectos.


Aunque expuso su obra naturalista y sus primeras producciones en galerías, quizás por su condición femenina no se codeaba con los círculos de artistas masculinos de la época.


En 1880 fallece su hermana, esto marca un hito en su vida, y comienza a interesarse por el mundo espiritual.

En 1896 se comienza a reunir con cuatro mujeres, Anna Cassel entre ellas, con las que forma el grupo "De Fem", las cinco.
Con ellas se reune todos los viernes durante 10 años, y toma anotaciones de sus sesiones con todo detalle.

Unas anotaciones, junto a todas sus explicaciones de simbología etc, que suman mas de 25000 hojas.


En el momento el espiritismo no estaba mal visto, sino que podría ser considerado parte de la ciencia.



Con el grupo de las cinco no era la primera vez que se ponía en contacto con el "mundo espiritual", pero este hecho marca un punto de referencia en su obra. Junto con su fascinación 
por los descubrimientos científicos como los rayos x, que te permiten observar cosas que no puedes ver a simple vista.

Algunas de las obras que se realizan de forma automática con el grupo de las cinco está firmada por el grupo, por lo que nos podemos plantear la duda de la autoría.

Llegados a este punto hay que preguntarse: ¿Fue Kandinsky realmente el precursor de la abstracción?

En 1906 Hilma ya realiza obras como las de su serie Caos Primigenio.
El arte abstracto comienza oficialmente entre 1910 y 1913, entonces: ¿Habría que considerar a Hilma af Klint la pionera de la abstracción alejándose de toda mímesis o verosimilitud?

En 1906 Hilma recibe el encargo espiritual de realizar una serie de cuadros, en la que trabajará 9 años, y a los que denominará Cuadros para el templo. El término templo, indicaría metafóricamente la evolución humana, aunque 
para mi podría significar también sus procesos de conexión con lo espiritual.


Son 193 obras divididas en series y subdivisiones. Realizadas sobre papel y posteriormente montadas sobre lienzo.

Hay que mencionar que aunque en sus encuentros sensibles practicaba el dibujo automático, esta serie está creada bajo estrictas indicaciones espirituales pero de forma consciente. Entre ellos encontramos una serie que nos muestra las edades del individuo, en la que vemos una decreción de la intensidad del color y un cambio cromático conforme avanza la etapa vital.
Fotografía de Egon Abresparr (Moderna Museet de Estocolmo)

En cuanto a la simbología presente en las obras de Hilma, utiliza la unión de los colores simbólicos.
El amarillo, que representa la identidad masculina se aproxima y enfrenta al azul, lo femenino. Entre los dos tonos podemos encontrar los tonos verdes, que es la unión entre ambos.

Incluye en sus obras, en muchas ocasiones, letras
tales como la 'W' que representa lo espiritual y la 'u' 
que nos indica lo material.

Otra de sus series más controvertidas es Evolutionen en la que se trata el reflejo de los opuestos, como la materia y lo espiritual.


como también trata en series como El cisne (1915) en la que se opone el blanco con el negro y el negro con el blanco, en una especie de danza. Las caras en amarillo y azul (lo masculino con lo femenino) y la unión de los picos en rojo y rosa (lo humano con lo celestial).

Las religiones
En 1920 realiza una serie en la que estudia las religiones mendiante opuestos como el bien y el mal.


La espiga
En 1922 se ve influnciada por la antroposofía y por Rudolf Steiner, que defendía que la antroposofía estudia la humanidad en relación a lo espiritual. Hilma abandona la pintura geométrica y comienza a representar las dimensiones espirituales de la naturaleza mediante la acuarela.

Con este hecho, a los sesenta años, da un vuelco a su 
producción, destacando que nunca dejó de revisar sus anotaciones.

La artista muere en 1944, sus herederos encuentran un legado de más de 1000 obras nunca vistas y varios cuadernos ocultos.

Estipula por testamento que sus obras no deben de ser expuestas al menos hasta 20 años después de su muerte, segura de que su producción no se entendería en sus contemporáneos, y asegurando que es una indicación del mundo espiritual.


Altarbild, serie Cuadros para el Templo.


No es hasta 1986 cuando sus obras nunca vistas se exponen en Los Ángeles, habiendo pasado más de cuarenta años de su muerte.

En la actualidad las obras de la artista siguen perteneciendo a sus herederos y a su fundación y no están en venta, por lo que hace más especial, si cabe, la visualización de su producción pictórica.


La mejor forma de conocer la obra de esta polémica artista, incipiente de algún modo, es 
sumergirte en su mundo, pasear entre sus obras e imaginar sus sesiones espirituales para comprender los motivos que la movían a realizarlas.



Hilma af Klint dijo:"Yo no creé estas obras, soy un medio, no son mi propio trabajo" (Iris Müller-Westerman, comisaria del Moderna Museet de Estocolmo).

Iris Müller-Westerman: "Creó sus obras para el futuro, y el futuro es ahora".