El Antiguo Egipto en el corazón de Pontevedra

¿Dónde podemos disfrutar de las grandes obras del arte egipcio? Londres, Nueva York, Berlín, El Cairo...

Poder apreciar el arte egipcio en pleno corazón de Galicia, esto es lo que nos ofrece el Museo de Pontevedra.
Bajo el título Da Vida á Morte no Antigo Exipto, la exposición comisariada por Francisco Martín Valentín y Teresa Bedman, directores del Instituto de Estudios del Antiguo Egipto (I.E.A.E.), nos sumerge en la cultura y costumbres del Antiguo Egipto. 

Además de sobresalir por ser una exposición egipcia, alejada de las múltiples contemporáneas que llenan nuestras ciudades, destaca por estar formada por 132 obras procedentes del Museo Egizio de Florencia, de las cuales la mayoría eran inéditas, ni se habían expuesto ni publicado antes.

¿Cuántas veces vamos a una exposición, nos encanta y queremos saber más de las obras? Ese es el momento en el que nos interesamos por el catálogo, la siguiente secuencia es la decepción al conocer los precios habituales de los mismos, 30, 40, 50 €...

Sorprendidos quedamos en la inauguración al descubrir que tan magno catálogo costaba solo diez euros, con obras inéditas e información privilegiada de las piezas, muy recomendable.

Podemos destacar que muchas de las obras seleccionadas para exposición, y las que podemos encontrar en el Museo Egizio, fueron llevadas a Italia en el reinado de Carlos X quien envió una expedición científica, la Franco-Toscana, a Egipto en 1828, con Jean François Champollion a la cabeza y su fiel admirador y amigo, Ippolito Roselini.

La exposición está dividida en las siguientes secciones:

                                                      Dioses

"Capitel con el rostro de la diosa Hat-Hor". Una magnífica forma de adentrarnos en la exposición mediante este capitel hathórico.
Quizás la importancia de esta pieza no resida totalmente en sí misma, sino en su conexión con los cultos tebanos, cultos que se realizaban en los templos cuyas columnas se encumbraban con estos capiteles.
Su forma alude al sistro, aunque destacando su rasgo característico de las orejas de vaca. 
Desde el comienzo de la exposición Hat-hor nos acoge y nos protege.

Aunque son muchas las piezas de las que podríamos hablar, sin ninguna duda los relieves —en especial los bellamente policromados— nos adentran en las paredes de las tumbas del Imperio Nuevo.

"Fragmento de relieve policromado con el rostro del dios Osiris". 
Es una de las piezas, a mi parecer, clave de la exposición. 
Este fragmento del que se desconoce su procedencia exacta, aunque algunos estudiosos de la pieza la datan en la XIX dinastía, en el Valle de los Reyes, posiblemente en la tumba de Sethy I, nos llama la atención por el rostro que nos muestra.
No es un faraón, ni un cartucho, es el rostro del dios Osiris con el cetro Heka y la corona Atef.
De ella debemos destacar, tal y como nos reseñan en el catálogo, que Maximiliano Sacrati Strozzi, escribió en el canto del fragmento: "Tumba de Omeris III, descubierta por Belzoni. Cabeza del dios Osiris tomada por Max Strozzi en 1846".

"Estatua del dios Sobek". Bellísima estatua de unos 37 cm. de alto, con una policromía sobre madera bien conservada, y en la parte superior de la base unas inscripciones de la ofrenda Hetep-di-Nesu.
En la Mano porta un Anj, que podéis observar en la foto del detalle, ya que me encantó, y en la otra el cetro Uas, representando el poder. También porta, al igual que el relieve de Osiris, la corona Atef, con dos plumas, el disco solar y los cuernos ondulados.

Realeza

"Mesa de ofrendas". Estupenda pieza realizada en granito negro, perteneciente al reinado de Ah-Mosis, Imperio Nuevo.
Solían tener la forma del jeroglífico Hetep, ya que se utilizaban para depositar ofrendas sólidas y líquidas, lo que excusa el canal de evacuación de líquido de delante. La propia mesa tiene esculpidas las ofrendas a realizar: panes, partes de bóvidos, etc, además tiene una inscripción, repetida en el lado simétrico, que me guardo para el final.

Como es común en las exposiciones con temática egipcia, es importante hablar de los escarabeos, amuletos representativos del dios Jepri, como aspecto de Re en su salida al día.
Mandados a realizar por distintos motivos, uno de ellos era ensalzar la figura del poderoso, como en el caso del escarabeo de pequeño formato que tenemos en la imagen.
En él, y gracias a la traducción del doctor Martín, podemos leer "Neb-Maet-Re, amado de Thot", y él mismo destaca, que durante el reinado de Amen-Hotep III, el faraón estaba muy ligado a la figura del dios Thot y realizó grandes reformas en su templo de Hermópolis. En cuanto a esta pieza también cabe destacar el montaje, con una lupa de dos aumentos para poder observar su inscripción.

Vida Cotidiana

En este apartado, entre la vida cotidiana y la mujer nos adentramos en las costumbres egipcias. Entre ellas cabe destacar las piezas de cerámica que podemos disfrutar en la exposición como: cerámica de Nagada II de boca negra, un vaso de Nagada II decorado con espirales, una cerámica de Nagada II decorada con barcos, vasos de alabastro, o un cuenco para ungüentos también de alabastro.

"Estatua de Hu-Em-Asha y Baket", ¿Por qué solo dos nombres y son tres personajes? Hu-Em-Asha se representa con su propia esposa Baket, dos veces. Tras la estatua se han inscrito los nombres de sus nueve hijos, y las ofrendas Hetep-di-Nesu hacia Amón y Osiris.

En las piernas llevan inscritos sus nombres, y destaca la composición equilibrada que realiza el personaje principal al enlazar sus brazos doblemente con su esposa.

"Estatua del Sacerdote Ptah-Mose". Realizada en cuarcita amarilla es una estatua realmente mágica, una de esas obras que te transmiten tranquilidad al observarlas. 

Ptah-Mose era el sumo sacerdote del dios Ptah de Menfis. Se trata de una estatua-cubo, aunque el cuerpo del sacerdote está definido, y no es un cubo sin anatomía.

Las inscripciones del pilar dorsal y la base mencionan su nombre y títulos.

Sin ninguna duda esta sala está dominada por la presencia de estas dos magnas estatuas.

Mujer

La mujer es, sin ninguna duda, un pilar importantísimo en la mentalidad egipcia, el centro de la familia.
Ellas eran las que transmitían la legitimidad Real a través de la sangre. No existía el matrimonio institucional, y las mujeres tenían la libertad de administrar sus bienes.

La mujer trabajaba; en algunos casos, incluso como escriba. Existía además un clero entorno a la diosa Hat-Hor, diosa femenina por naturaleza.



"Modelo de mujer preparando la cerveza". "La cervecera", sin duda una de las grandes atracciones de la exposición. Una magnífica estatua, de 42 cm de altura.
Sorprende en persona su policromía, además tratándose de una pieza de la V dinastía.
Aunque la primera sensación respecto al material con el que está realizada es la madera policromada, está realizada en caliza pintada.

Vestida solo de cintura para abajo con una simple falda a media pierna, se encuentra ornamentada con un collar Usej.

La estatua sería parte de un ajuar funerario, para proporcionar cerveza al difunto, ya que se encuentra migando los panes de cerveza en un tamiz. 

"Sistro". Realizado en bronce en Baja época.

Un sistro era un instrumento musical, unido a los ritos femeninos, y en especial Hathóricos.

Destacan las figuras de tres gatos entre la parte superior y la interna, y un mango muy elaborado con el rostro de la diosa Hat-hor, y una base del dios Bes sobre un nenúfar.

"Collar de cuentas de fayenza"

Tal y como se nos explica en el catálogo, la importancia de este collar reside en los elementos simbólicos que lo forman. Entre los cilindros que lo conforman encontramos al dios Bes tocando un tambor y frutos de adormidera en amarillo.

La combinación nos alude a las representaciones de las celebraciones religiosas egipcias, en las que se ingerían estupefacientes, todo esto acompañado de la música. Este collar realmente es un testimonio manifiesto de esas fiestas.

En esta sección destacan también "Las estatuillas de las concubinas del difunto".

La Muerte

 

La muerte era para los egipcios el momento más importante de su vida. No, no es el final de la misma, sino el comienzo de su renacer, de su vida en el Más Allá. Todas las prácticas funerarias iban destinadas a la protección y regeneración del cuerpo, a proveer al difunto de alimento y ayuda, a la preservación de su ajuar, etc.

"Imagen del dipos Ptah-Sokar-Osiris". Esta unificación de tres dioses que se daba en Menfis tenía un fuerte carácter funerario.
Es importante destacar que el dios aparece ataviado como una momia, con la corona Atef y el sudario del dios Osiris.
En su columna de inscripciones podemos encontrar las ofrendas a su destinatario, Seba.

En la parte inferior observamos que la escultura está inserta en una caja de madera donde se podía depositar un fragmento del Libro de los Muertos.


"Estatuilla representando el Ba de un difunto". El Ba, la fuerza espiritual, es uno de los elementos de la personalidad humana. Se representa con forma de pájaro con cabeza humana. Tal y como nos destaca la profesora Guidotti en el catálogo, esta estatuilla estaba relacionada con el capítulo 89 del Libro de los Muertos, donde se recomendaba poner una imagen del Ba del difunto cerca del mismo para facilitar su unión con la momia.

"Shauabti de Najt-Amón, servidor del Hijo Real Ken-Amón". 
Este ejemplar de shauabti representa un raro ejemplar. Es una figura de sustitución, con su propia personalidad y al servicio de su dueño.
La forma en la que está esculpido su rostro es delicada y no conserva las dos azuelas que llevaría originariamente.
En sus inscripciones encontramos la explicación del porqué es un ejemplar extraño. Nos dice que es Najt-Amón, servidor en el Más Allá del Hijo Real Ken-Amón, está a su servicio y estaría obligado a realizar los trabajos que se le indicaran como navegar o trabajar los campos.
Si queréis ampliar información os recomiendo este artículo del doctor Francisco Martín Valentín.

MARTIN VALENTIN, F. LOS SHABTYS: Síntesis analítica de su origen, funcionalidad y evolución.


"Caja para material de momificación".
Reproduce la forma de un edificio, con diversas iconografías entre las que encontramos el firmamento, el dios Anubis, amuletos de Dyed y Tit.
Los cuatro personajes que se arrodillan representan la realeza de Egipto, encabezada por el faraón, que está protegida por los espíritus de los ancestros de los reyes de Egipto. 

 

Espero que os haya gustado este recorrido por algunas de las piezas más destacadas de cada sección, realmente es difícil escoger cuál comentar porque es una selección muy exquisita.
En cuanto al discurso expositivo, la muestra está basada en el conocimiento masivo sobre el antiguo Egipto. Gracias a las secciones multitemáticas, podemos adquirir una experiencia completa y única.

El montaje de las salas permite la deambulación "orientada" entre las obras. Destacando los paneles informativos y las cartelas únicamente en gallego, lo cual puede presentar una mínima dificultad para el espectador no gallego pero se compensa con la extensa información que podemos encontrar en ellos, las cronologías y los mapas, que contextualizan la exposición. En cambio el catálogo sí es bilingüe. 

También referente al montaje, cabe destacar que las vitrinas están adaptadas a las piezas, y los soportes de cada pieza se ajustan a la misma, reseñando la "momia" realizada como soporte de la redecilla funeraria, lo que facilita la comprensión de su uso. "Cuatro hijos de Horus, Escarabeo alado y la redecilla funeraria en soporte de momia".

Tuve el placer de poder asistir a la inauguración y a una visita privada para los miembros del equipo del Proyecto Visir Amen-hotep Huy, guiada por los comisarios Francisco Martín Valentín y Teresa Bedman, realmente una gozada.

Os dejo un video que realizó el Museo de Pontevedra y que está alojado en su página de Facebook, en el que se muestra el montaje de la exposición, no tiene desperdicio. Video del Montaje

En mi página de Facebook podéis visitar mi álbum con más de 130 fotos de la exposición y la inauguración. Fotos

Como ya sabéis, normalmente no comparto con vosotros más allá de mi vida profesional y artística, pero en este caso voy a hacer una excepción ya que se unen inexorablemente.
En noviembre voy a incorporarme a los trabajos de la misión arqueológica española del IEAE en Luxor, Egipto. Sin duda una gran oportunidad que agradezco desde aquí. Os seguiré escribiendo por Twitter. Me despido con la inscripción de la mesa de ofrendas.

"El buen dios, Men-Pehty-Re, el Hijo de Re, Ah-Mosis, amado de Osiris, regente de la eternidad, dotado de vida eternamente" 

Cenotafio al General Torrijos

Málaga, España, 11 de diciembre de 1831 a las once y media de la mañana fusilaban al General José María de Torrijos y Uriarte y a 48 de sus compañeros, pero eso es solo la consecuencia del contexto histórico, político y social que acontecía.

José María Torrijos y Uriarte nació en Madrid en 1791.

Torrijos combatió en la Guerra de la Independencia española pero, tras la restauración del sistema absolutista (1814) por Fernando VII, participó en el pronunciamiento de Juan van Halen en 1817. Tras este fue apresado y estuvo dos años en prisión hasta que se produjo el pronunciamiento de Riego en 1820.

Tras su excarcelación, durante el Trienio Liberal (1820-1823), ocupó puestos como capitán general de Valencia, mariscal de campo y ministro de la Guerra.

En 1823 combatió en la invasión francesa de los Cien Mil Hijos de San Luis en España y finalmente, tras la victoria de los absolutistas, se exilió a Inglaterra.

Desde allí decidió planear un pronunciamiento, el cual, él mismo iba a encabezar y cuya victoria fue asegurada por el gobernador civil de Málaga, Vicente González Moreno, bajo el seudónimo de Viriato.

El día dos de diciembre del año 1831 desembarcó en la costa de Málaga, en la playa de El Charcón, procedente de Gibraltar con sesenta hombres. El día cinco, cercados en Alhaurín de la Torre, Torrijos decidió pactar una rendición engañado por Vicente G., el cual se piensa que le podría haber comentado la idea de trasladarlos a Málaga y hacer allí un levantamiento.

Cuando sus compañeros fueron ingresados en la cárcel pública y él llegó a la Plaza de las Cuatro Calles, actual Plaza de la Constitución, descubrió la traición y fue ingresado en un calabozo del Cuartel de Mundo Nuevo.

La tarde del diez de diciembre se les trasladó al Convento de San Andrés donde se les leyó la sentencia de muerte ya firmada por el rey.

A la mañana siguiente, 11 de diciembre de 1831, a los cuarenta años fue ejecutado Torrijos, de un solo proyectil que le entró por debajo de la sien, un tiro muy preciso para los jovencísimos soldados de Soria, por lo que se puede pensar que pudo ser ejecutado con un tiro de gracia.

De manera póstuma se le concedió el título de Conde de Torrijos.

La propia esposa del general, Luisa Sáenz, escribió la vida y muerte de su marido, dejando el mejor testimonio de la libertad y la lucha revolucionaria.

Llegaron al sitio fatal. La tiranía, bajamente envidiosa y cobardemente avara de toda gloria para con su víctima, no le permitió mandar el fuego y recibir las cargas sin vendarle los ojos, única gracia que mi esposo se había permitido pedir. Se manifestó urbanamente agradecido a su confesor, dio a conocer su satisfacción por la conformidad y entereza de sus compañeros, y saludando con estos el objeto de todos sus afanes y la causa que le había empeñado en este sacrificio, con un enérgico "Viva la libertad", cayó mi esposo y cayeron todos sus compañeros a los mortales rayos lanzados a la voz de la perfidia, por orden de la airada y sangrienta tiranía.

Tras la muerte del general sus restos y los de sus compañeros fueron depositados en el cementerio de San Miguel.

En el año 1842 se construye un obelisco en la Plaza de la Merced, la entonces llamada Plaza de Riego, conmemorando la acción heroica del general y sus 48 compañeros.

Se decide colocar allí, y no finalmente en la playa como pedían, ya que la plaza estaba asociada por Riego al movimiento liberal.

Diseñado por el arquitecto municipal Rafael Mitjana y Ardison, está considerado como el monumento civil urbano más importante y característico de la Málaga del siglo XIX.

El cenotafio a Torrijos consta de una cripta, en la que reposan los cuerpos del general y sus compañeros, sobre la que se alzan tres basamentos de piedra superpuestos.

El basamento inferior, que actúa como base no tiene decoración.

El cuerpo central, coronado en sus aristas con cuatro mensulones de bronce, soporta cuatro planchas con la dedicación del pueblo.

El basamento superior, más esbelto, muestra las cuatro planchas con los nombres de los fallecidos.

Sobre estos basamentos descansa el obelisco, una forma piramidal muy esbelta y estilizada, formada por secciones en las que se disponen coronas de laurel en bronce entrelazadas.
Aunque Rafael Mitjana creó un programa decorativo algo más barroco, la decoración fue reducida eliminando algunos elementos del proyecto por problemas económicos.

Uno de los elementos que se cambió fue la escultura de la Fama y los trofeos militares que proyectó el arquitecto inicialmente. Esta escultura fue sustituida por una corona de laurel en broncAunque se creó el proyecto del cenotafio, el monumento quedó aislado en la plaza hasta que se reformó en 1858 con el proyecto de José Trigueros.

La verja sobre pretil, de sencillas arcadas de piedra en los accesos, que rodea a este monumento, delimita una porción de terreno que fue otorgada por orden de la reina Isabel II a la soberanía francesa, para impedir que nadie pudiera acceder a los restos mortales del general José María de Torrijos y Uriarte. Finalmente el estado francés devuelve cierta potestad sobre el monumento en 1978.

Poema de José Espronceda ante el deceso del General

A la muerte de Torrijos y sus compañeros

Helos allí: junto a la mar bravía

Cadáveres están ¡ay! los que fueron

Honra del libre, y con su muerte dieron

Almas al cielo, a España nombradía.

Ansia de patria y libertad henchía

Sus nobles pechos que jamás temieron,

Y las costas de Málaga los vieron

Cual sol de gloria en desdichado día.

Españoles, llorad; mas vuestro llanto

Lágrimas de dolor y sangre sean,

Sangre que ahogue a siervos y opresores,

Y los viles tiranos con espanto

Siempre delante amenazando vean

Alzarse sus espectros vengadores.

En mi cuenta de Pinterest podéis encontrar más imágenes sobre el monumento.

Storify Goya

Estreno mi Storify con la recopilación de los tuits que subí en diciembre de 2013 haciendo un recorrido por la vida y obra de Francisco de Goya y Lucientes.

Precisamente hoy, 16 de abril, que se cumplen 186 años de la muerte del genio.

También en el blog podéis leer, para los que no lo conozcáis, un post sobre la muerte de Goya: Francisco de Goya ¿Dónde está su Cráneo?

Recopilación tuits Goya

Courbet, Van Gogh, Monet, Léger

Qué mejor forma de abrir una exposición que con una obra de Vincent Van Gogh, Molino de agua en Gennep realizada en 1884, tan solo seis años antes de su fallecimiento.

No es de sus obras más célebres, pero como todas esas que nos vienen al pensamiento, tiene profundas empastaciones, y en este caso el colorido es apagado y brillante.


Esta exposición situada en el Museo Carmen Thyssen, en Málaga, tiene cinco secciones, en las que se exploran las variaciones Del paisaje Naturalista a las Vanguardias en la Colección Carmen Thyssen. 

Naturalismo es la primera sección de la exposición. En ella, a parte de la obra que hemos visto como apertura, podemos destacar una magnífica y expresiva obra de Courbet, La playa de Saint-Aubin-sur-Mer (1867).

Tendré que reconocer mi absoluta debilidad por la sección que acontece a continuación, Del Romanticismo al Simbolismo con un montaje exquisito y una obra magnética que encabeza y encuadra la sala.

La obra de gran formato Puerto de Barcelona de Eliseu Meifrèn i Roig. Contiene unos detalles lumínicos destacables como estos que os traigo: la farola, el sol y la ciudad como escenario vista desde el puerto de Barcelona.

Cómo no, también hay que destacar a un grande del paisajismo romántico alemán, Caspar David Friedrich. Barco de pesca entre dos rocas en una playa del Báltico.

En la tercera sección La mirada impresionista, encontramos una obra que ha creado gran expectación entre los visitantes por sus grandes calidades táctiles.

Canny Glasgow de John Atkinson Grimshaw una obra de formato comedido pero gran transmisión sensorial. El suelo da una perspectiva magnífica rota a la derecha del espectador por la cristalera y la iluminación que ella realiza en la obra. En ella podemos encontrar detalles como un farolillo iluminado en color rojo, que parece contener una llama real o unas estrellas que son escasamente un punto de óleo.

Maximilien Luce Fábrica a la luz de la luna (1898). En ella Luce nos muestra un paisaje casi desolado, una fábrica desprovista de cualquier detalle personal o humano. En ella destaca el tratamiento de la luz, en este caso de la luna y un magnífico tratamiento del color con unos detalles puntillistas.

Nuevos Clasicismos, la cuarta sección de la muestra, en la que reseño la obra de la artista Olga Sacharoff Paisaje Idílico, sin datar. El detalle que muestro es el río con la barca y algo del paisaje, cabe reseñar la técnica con la que realiza el agua.

Esta obra es la única de una artista en la exposición, Olga, nacida en Georgia se trasladó en 1915 junto con su pareja Otto Lloyd a Mallorca para posteriormente asentarse en Barcelona. Aunque ni su relación con Otto ni sus estancias en España fueron continuas, la artista naif falleció en Barcelona en 1967 después de haber recibido la medalla de la ciudad.

Vanguardias la sección con la que culmina la exposición.

En ella, y tras un tabique móvil y exento, se encuentra esta magnífica obra de Josep Amat Pages. Las Ramblas (1950) se desdibujan en la obra de forma decimonónica.

Son destacables las obras catalanas de la exposición, en este caso Josep Amat, el cual ha sido encuadrado entre el postimpresionismo y el fauvismo, tiene un trazo muy expresivo.

La vivacidad del bullicio barcelonés está enmarcado por el trazo agil y la verticalidad de los edificios y los árboles desprovistos de follaje. 

Terminando este post he recibido la noticia de la Muerte de Guillermo Miranda, (@murosyredes) la cual me ha causado una gran consternación. Guillermo era todo un ejemplo a seguir en cuanto a su trayectoria profesional y en especial como blogger #RepensarElMuseo. Desde mi blog mi más sentido pésame a su familia y amigos, es una gran pérdida.

Hilma af Klint, más de 20 años en una caja

Hilma af Klint era hasta hace muy poco una gran desconocida, ahora las primeras impresiones de su obra causan sensación y polémica.

Hilma af Klint nació en Estocolmo en 1862, estudió en la Escuela Técnica de Estocolmo, continuando su formación en la Real Academia de Bellas Artes.

Trabajaba en un estudio en el centro de la ciudad, aunque no comenzó su producción artística con la abstracción, pronto experimentó con el dibujo y la escritura automática.

Sus primeras obras son naturalistas, paisajes academicamente perfectos y cabe destacar sus dibujos de botánica, en los que no idealiza el aspecto del sujeto sino que lo representa con sus defectos.

Aunque expuso su obra naturalista y sus primeras producciones en galerías, quizás por su condición femenina no se codeaba con los círculos de artistas masculinos de la época.


En 1880 fallece su hermana, esto marca un hito en su vida, y comienza a interesarse por el mundo espiritual.

En 1896 se comienza a reunir con cuatro mujeres, Anna Cassel entre ellas, con las que forma el grupo "De Fem", las cinco.
Con ellas se reune todos los viernes durante 10 años, y toma anotaciones de sus sesiones con todo detalle.

Unas anotaciones, junto a todas sus explicaciones de simbología etc, que suman mas de 25000 hojas.

En el momento el espiritismo no estaba mal visto, sino que podría ser considerado parte de la ciencia.

Con el grupo de las cinco no era la primera vez que se ponía en contacto con el "mundo espiritual", pero este hecho marca un punto de referencia en su obra. Junto con su fascinación 

por los descubrimientos científicos como los rayos x, que te permiten observar cosas que no puedes ver a simple vista.

Algunas de las obras que se realizan de forma automática con el grupo de las cinco está firmada por el grupo, por lo que nos podemos plantear la duda de la autoría.

Llegados a este punto hay que preguntarse: ¿Fue Kandinsky realmente el precursor de la abstracción?

En 1906 Hilma ya realiza obras como las de su serie Caos Primigenio.
El arte abstracto comienza oficialmente entre 1910 y 1913, entonces: ¿Habría que considerar a Hilma af Klint la pionera de la abstracción alejándose de toda mímesis o verosimilitud?

En 1906 Hilma recibe el encargo espiritual de realizar una serie de cuadros, en la que trabajará 9 años, y a los que denominará Cuadros para el templo. El término templo, indicaría metafóricamente la evolución humana, aunque 

para mi podría significar también sus procesos de conexión con lo espiritual.

Son 193 obras divididas en series y subdivisiones. Realizadas sobre papel y posteriormente montadas sobre lienzo.

Hay que mencionar que aunque en sus encuentros sensibles practicaba el dibujo automático, esta serie está creada bajo estrictas indicaciones espirituales pero de forma consciente. Entre ellos encontramos una serie que nos muestra las edades del individuo, en la que vemos una decreción de la intensidad del color y un cambio cromático conforme avanza la etapa vital.

Fotografía de Egon Abresparr (Moderna Museet de Estocolmo)

En cuanto a la simbología presente en las obras de Hilma, utiliza la unión de los colores simbólicos.

El amarillo, que representa la identidad masculina se aproxima y enfrenta al azul, lo femenino. Entre los dos tonos podemos encontrar los tonos verdes, que es la unión entre ambos.

Incluye en sus obras, en muchas ocasiones, letras
tales como la 'W' que representa lo espiritual y la 'u' 
que nos indica lo material.

Otra de sus series más controvertidas es Evolutionen en la que se trata el reflejo de los opuestos, como la materia y lo espiritual.


como también trata en series como El cisne (1915) en la que se opone el blanco con el negro y el negro con el blanco, en una especie de danza. Las caras en amarillo y azul (lo masculino con lo femenino) y la unión de los picos en rojo y rosa (lo humano con lo celestial).

Las religiones

En 1920 realiza una serie en la que estudia las religiones mendiante opuestos como el bien y el mal.



La espiga

En 1922 se ve influnciada por la antroposofía y por Rudolf Steiner, que defendía que la antroposofía estudia la humanidad en relación a lo espiritual. Hilma abandona la pintura geométrica y comienza a representar las dimensiones espirituales de la naturaleza mediante la acuarela.

Con este hecho, a los sesenta años, da un vuelco a su 
producción, destacando que nunca dejó de revisar sus anotaciones.

La artista muere en 1944, sus herederos encuentran un legado de más de 1000 obras nunca vistas y varios cuadernos ocultos.

Estipula por testamento que sus obras no deben de ser expuestas al menos hasta 20 años después de su muerte, segura de que su producción no se entendería en sus contemporáneos, y asegurando que es una indicación del mundo espiritual.



Altarbild, serie Cuadros para el Templo.

No es hasta 1986 cuando sus obras nunca vistas se exponen en Los Ángeles, habiendo pasado más de cuarenta años de su muerte.

En la actualidad las obras de la artista siguen perteneciendo a sus herederos y a su fundación y no están en venta, por lo que hace más especial, si cabe, la visualización de su producción pictórica.

La mejor forma de conocer la obra de esta polémica artista, incipiente de algún modo, es 

sumergirte en su mundo, pasear entre sus obras e imaginar sus sesiones espirituales para comprender los motivos que la movían a realizarlas.

Hilma af Klint dijo:"Yo no creé estas obras, soy un medio, no son mi propio trabajo" (Iris Müller-Westerman, comisaria del Moderna Museet de Estocolmo).

Iris Müller-Westerman: "Creó sus obras para el futuro, y el futuro es ahora".