La caja de Ushebtis de Jabejent: una pieza cargada de historia española

Paseamos a menudo por las colecciones egipcias de los museos fijándonos en las piezas, en su belleza, su colorido, su forma y por qué no, en su rareza. 

Pocas son las ocasiones en las que nos planteamos cómo han llegado esas piezas a Londres, Nueva York o Madrid entre otras ciudades con grandes colecciones egipcias. Solemos considerar que estas piezas fueron sustraídas de forma ilegal de Egipto aunque la realidad en casi todos los casos es muy distinta. 

© MECD

Este artículo está motivado por una visita guiada que realicé a la sección egipcia del Museo Arqueológico Nacional, en Madrid, como guía del Instituto de Estudios del Antiguo Egipto. 

La pieza que me ocupa en este artículo es la Caja de Ushebtis de un personaje llamado Jabejent, Servidor en el Lugar de la Verdad (Deir el-Medina).

Es una pieza altamente interesante ya que fue descubierta por Eduardo Toda i Güell, el considerado como primer egiptólogo español.

No os perdáis este artículo en el que hago una contextualización del descubrimiento así como una descripción de esta pieza, ¡espero que os guste!

La caja de Ushebtis de Jabejent: una pieza cargada de historia española (Enlace directo) 

FOTOS Fondo Museo de Málaga

Ya sabéis que normalmente subo entradas en las que creo o recojo contenido, no solo con imágenes, pero esta vez creo que lo merece.

Esta mañana he visitado las instalaciones donde están depositados los fondos del Museo de Málaga, que estará situado en el Palacio de la Aduana, y que recogerá las colecciones del Museo de Bellas Artes y el Arqueológico. 

Las colecciones no son visitables desde 1997 cuando se traspasó el museo, primero al ático de la aduana y posteriormente a su emplazamiento actual en el Parque Tecnológico.

Según nos ha asegurado uno de los conservadores del museo ya han acabado los trabajos de adaptación arquitectónica y ahora trabajan en los aspectos museográficos. Se ha fijado optimistamente su reapertura a finales de 2015, cuando se espera ya contar con la nueva sede del Pompidou, en Málaga.

Hemos visitado la nave en la que se encuentran archivos bibliográficos, el taller de restauración, el laboratorio y la sala de depósito que cuenta con peines, estantes y muebles de clasificado.

La coleccion del Museo cuenta con fondos del Museo del Prado, y obras de artistas como, Moreno Carbonero, Simoet, Murillo, Sorolla, Picasso... y un largo etcétera, y es que no vemos el día de tenerlo acabado y a la disposición del público, ahí van.

 





Espero que os hayan gustado las fotos, ya que todavía nos queda, previsiblemente, un año y medio para poder disfrutarlo museografiado.

Inauguración CAC Mijas

Como algunos sabréis por mi cuenta de Twitter [@ArtEstudiantes] el viernes 29 asistí a la esperadísima inauguración del Centro de Arte Contemporáneo de Mijas.

El museo situado en 'La Baraka', una antigua tienda de alfombras, ha sido rehabilitada para albergar esta colección que está dividida en tres salas.

En la primera sala encontramos una colección de cerámica de Picasso, en la que podemos destacar un magnífico montaje expositivo realizado verticalmente adosado a la pared, enfrentado al otro lado de la sala con peanas acristaladas en las que también encontramos cerámicas.

En esta sala, toda de cerámica picassiana, destacan como temáticas la tauromaquia, los pájaros y lo femenino, que son una constante en todos los ámbitos de su producción.

En cuanto a la colección de cerámica de Picasso, gestionada por la fundación Remedios Medina, es la segunda más importante del mundo, tras la del Museo Picasso de París.

 En la segunda sala, Picasso y Amigos, encontramos xilografías, litografías con obras de Dalí, Braque y Miró entre otros.

Destaca la pieza lítica de Picasso en la que vemos un grabado "Escena de tauromaquia, la pica".

En la tercera sala, Pintores Malagueños, Maestros de Picasso, la cual está situada en la segunda planta, con entrada desde la segunda sala, encontramos obras pictóricas de Moreno Carbonero, uno de los maestros de Picasso, algunos paisajes de Muñoz Degrain, rostros de Martínez de la Vega. También podemos destacar obras de Horacio Lengo y Ricardo Verdugo Landi.

En cuanto a las obras, tienen una buena iluminación con tres carriles de luces de LED frías regulables. Las cartelas están muy cuidadas.

El CAC está adaptado para personas de movilidad reducida con un ascensor y una rampa de acceso, aunque la llegada por el pueblo no es la más adecuada.

El centro posee, además de una pequeña tienda, una terraza interior y una superior en la azotea con unas vistas privilegiadas.

Agradezco al CAC lo atentos que fueron ofreciéndonos la invitación a la inauguración oficial, la cual comprobamos que era muy reducida.

Visitad el CAC, en un enclave magnífico en pleno Mijas Pueblo.

Web CAC Mijas

Tras los primeros días ya han publicado que en solo tres días habían superado las mil visitas, desde ArtEstudiantes les deseo muchos años de prosperidad artística, apoyando siempre el arte y la cultura.

Hilma af Klint, más de 20 años en una caja

Hilma af Klint era hasta hace muy poco una gran desconocida, ahora las primeras impresiones de su obra causan sensación y polémica.

Hilma af Klint nació en Estocolmo en 1862, estudió en la Escuela Técnica de Estocolmo, continuando su formación en la Real Academia de Bellas Artes.

Trabajaba en un estudio en el centro de la ciudad, aunque no comenzó su producción artística con la abstracción, pronto experimentó con el dibujo y la escritura automática.

Sus primeras obras son naturalistas, paisajes academicamente perfectos y cabe destacar sus dibujos de botánica, en los que no idealiza el aspecto del sujeto sino que lo representa con sus defectos.

Aunque expuso su obra naturalista y sus primeras producciones en galerías, quizás por su condición femenina no se codeaba con los círculos de artistas masculinos de la época.


En 1880 fallece su hermana, esto marca un hito en su vida, y comienza a interesarse por el mundo espiritual.

En 1896 se comienza a reunir con cuatro mujeres, Anna Cassel entre ellas, con las que forma el grupo "De Fem", las cinco.
Con ellas se reune todos los viernes durante 10 años, y toma anotaciones de sus sesiones con todo detalle.

Unas anotaciones, junto a todas sus explicaciones de simbología etc, que suman mas de 25000 hojas.

En el momento el espiritismo no estaba mal visto, sino que podría ser considerado parte de la ciencia.

Con el grupo de las cinco no era la primera vez que se ponía en contacto con el "mundo espiritual", pero este hecho marca un punto de referencia en su obra. Junto con su fascinación 

por los descubrimientos científicos como los rayos x, que te permiten observar cosas que no puedes ver a simple vista.

Algunas de las obras que se realizan de forma automática con el grupo de las cinco está firmada por el grupo, por lo que nos podemos plantear la duda de la autoría.

Llegados a este punto hay que preguntarse: ¿Fue Kandinsky realmente el precursor de la abstracción?

En 1906 Hilma ya realiza obras como las de su serie Caos Primigenio.
El arte abstracto comienza oficialmente entre 1910 y 1913, entonces: ¿Habría que considerar a Hilma af Klint la pionera de la abstracción alejándose de toda mímesis o verosimilitud?

En 1906 Hilma recibe el encargo espiritual de realizar una serie de cuadros, en la que trabajará 9 años, y a los que denominará Cuadros para el templo. El término templo, indicaría metafóricamente la evolución humana, aunque 

para mi podría significar también sus procesos de conexión con lo espiritual.

Son 193 obras divididas en series y subdivisiones. Realizadas sobre papel y posteriormente montadas sobre lienzo.

Hay que mencionar que aunque en sus encuentros sensibles practicaba el dibujo automático, esta serie está creada bajo estrictas indicaciones espirituales pero de forma consciente. Entre ellos encontramos una serie que nos muestra las edades del individuo, en la que vemos una decreción de la intensidad del color y un cambio cromático conforme avanza la etapa vital.

Fotografía de Egon Abresparr (Moderna Museet de Estocolmo)

En cuanto a la simbología presente en las obras de Hilma, utiliza la unión de los colores simbólicos.

El amarillo, que representa la identidad masculina se aproxima y enfrenta al azul, lo femenino. Entre los dos tonos podemos encontrar los tonos verdes, que es la unión entre ambos.

Incluye en sus obras, en muchas ocasiones, letras
tales como la 'W' que representa lo espiritual y la 'u' 
que nos indica lo material.

Otra de sus series más controvertidas es Evolutionen en la que se trata el reflejo de los opuestos, como la materia y lo espiritual.


como también trata en series como El cisne (1915) en la que se opone el blanco con el negro y el negro con el blanco, en una especie de danza. Las caras en amarillo y azul (lo masculino con lo femenino) y la unión de los picos en rojo y rosa (lo humano con lo celestial).

Las religiones

En 1920 realiza una serie en la que estudia las religiones mendiante opuestos como el bien y el mal.



La espiga

En 1922 se ve influnciada por la antroposofía y por Rudolf Steiner, que defendía que la antroposofía estudia la humanidad en relación a lo espiritual. Hilma abandona la pintura geométrica y comienza a representar las dimensiones espirituales de la naturaleza mediante la acuarela.

Con este hecho, a los sesenta años, da un vuelco a su 
producción, destacando que nunca dejó de revisar sus anotaciones.

La artista muere en 1944, sus herederos encuentran un legado de más de 1000 obras nunca vistas y varios cuadernos ocultos.

Estipula por testamento que sus obras no deben de ser expuestas al menos hasta 20 años después de su muerte, segura de que su producción no se entendería en sus contemporáneos, y asegurando que es una indicación del mundo espiritual.



Altarbild, serie Cuadros para el Templo.

No es hasta 1986 cuando sus obras nunca vistas se exponen en Los Ángeles, habiendo pasado más de cuarenta años de su muerte.

En la actualidad las obras de la artista siguen perteneciendo a sus herederos y a su fundación y no están en venta, por lo que hace más especial, si cabe, la visualización de su producción pictórica.

La mejor forma de conocer la obra de esta polémica artista, incipiente de algún modo, es 

sumergirte en su mundo, pasear entre sus obras e imaginar sus sesiones espirituales para comprender los motivos que la movían a realizarlas.

Hilma af Klint dijo:"Yo no creé estas obras, soy un medio, no son mi propio trabajo" (Iris Müller-Westerman, comisaria del Moderna Museet de Estocolmo).

Iris Müller-Westerman: "Creó sus obras para el futuro, y el futuro es ahora".

¿Qué es lo grotesco en el arte?

Los orígenes del término ‘grotesco’ se remontan al descubrimiento de la Domus Aurea, en el siglo XV, bajo el suelo del foro romano.
Esta Domus palaciega perteneció en su tiempo de esplendor a Nerón y tuvo su apertura en forma de gruta, por lo que el término derivó: el arte de la grotta, gruta, grutesco, grotesco.

En sus paredes se encontró una decoración vegetal y animal, pero con la característica de que los animales eran híbridos. Este descubrimiento marcó un tipo de representación, de característica artística o incluso de visión estética: “lo Grotesco”

Pero bien, hoy en día, ¿qué es lo grotesco en el arte?. En mi visión particular del término, lo grotesco es lo deforme, lo feo, el espanto, la ambigüedad, lo imposible, lo imaginario, lo satírico, y por tanto, también la caricatura.

Todos recordamos esas caricaturas del barrio de Montmartre en las que nos representan dentudos, ojerosos, calvos, e incluso con la nariz regordeta o las orejas de soplillo, entonces, ¿por qué no puede ser grotesca una caricatura?

En efecto, para mí una caricatura también es plenamente grotesca, solo cabe observar algunas de las obras de Honoré Daumier, como Gargantúa.

Lo grotesco puede ser aquello que nos despierte curiosidad o incertidumbre, como es el caso de las figuras andróginas o ambiguas.
En la exposición “el Factor grotesco” en el Museo Picasso de Málaga tenemos un gran ejemplo, la barbuda de Peñaranda de Juan Sánchez Cotán en 1590. Esta nos traslada, inevitablemente para los amantes del arte, a la mujer barbuda de José de Ribera realizada en 1631.

También, ante lo incomprendido, o lo ‘despreciado’ puede surgirnos la calificación grotesca. Por este motivo, una obra cubista del maestro Picasso, o el propio Guernica, puede suponer una experiencia grotesca.

Como dijo el propio Picasso: “No, la pintura no está hecha para decorar las habitaciones. Es un instrumento de guerra ofensivo y defensivo contra el enemigo” por lo que se utilizó en numerosas ocasiones como propaganda política, como las representaciones del rey Louis-Philippe metamorfoseado en pera, realizadas por Charles Philipon o Daumier en el periódico francés Charivari.

Por ello pienso que aunque os cuente lo que significa el término grotesco, cada uno debe hacerse su propia idea de este tipo de representaciones, y acotar así su significado personalmente.